lunes, 24 de julio de 2017

Ecosistema de retorno. Carla Souto


 
Ecosistema de retorno. Carla Souto

Los países occidentales sufrimos una importante desconexión con la naturaleza, con nuestras raíces y nuestra identidad. Hemos perdido nuestra fuerza como especie creyendo en la evolución y progreso, mientras que evitamos hibridarnos hacia algo superior: un encuentro valiente y fundente entre el ser humano y la naturaleza en todo su poder de revelación.
No parece extraño que la naturaleza nos tenga preparada una venganza lenta y violenta. Ni tampoco parece sorprendernos los cambios que hemos producido en esta era que hoy día todo el mundo llama del Antropoceno. Una época en la que los seres humanos tomaron la tierra para conquistarla con sus prácticas y formas de hacer sin aprender de los animales, las plantas y su ecosistema. Las investigaciones sobre el Antropoceno se encuentran entre los más importantes análisis sobre la historia terrestre afectada por la actividad humana; quizá, una historia sobre nuestro planeta más política que geológica. Pero que es capaz de arrojar nuevas luces sobre nuestra forma de vida actual.
Carla Souto (A Coruña,1994) desea vincular el anthropos a una vuelta al sistema natural explorando los afectos culturales y naturales que se producen entre el cuerpo humano y las plantas. Su proyecto se determina por una clara intencionalidad de retorno a los orígenes cósmicos “fussionels”. El cuerpo es su protagonista. Este provoca una serie de aspiraciones que trascienden lo meramente físico y se ofrecen en la forma de partes abstraídas de mujeres. Partes que pierden su forma de “cosa” en virtud de una ocupación de la naturaleza. Estas se abstraen sin renunciar a sus formas sensuales, redondeadas y sinuosas como los paisajes. Algunas de las piezas escultóricas remiten a llanos, otras a colinas; sin embargo, todas parecen permitir una reconciliación con las líneas de diseño primigenio: una ergonomía de la naturaleza. Puesto que el cuerpo es quien ahora se adapta a ella y no contrariamente. Y además, lo hace para que esta se sienta renacer en una nueva época -si no queremos denominarla ecológica, al menos deberíamos entenderla bajo una sensibilidad extendida a la totalidad de la existencia. 


De hecho, las esculturas de Carla Souto permiten un acercamiento profundo a un misticismo cósmico que confluye en un todo. En este sentido, parece que las circunstancias en las que brotan los cuerpos-esculturas y la vegetación son el producto de una nueva ontología. Esta se apoyaría en una inspirada neo-religión donde nos sentiríamos parte de una comunidad en unión por unos intereses mayores. De hecho, desde Peter Sloterdijk hasta Emanuele Coccia, pasando por aquellos pensadores y artistas que analizan la producción de sentido del antropoceno, pareciera que todos idean vincularse con una instancia superior: una comunidad de desarrollo afectivo, economía en medios y estrategias de agenciamiento. Me refiero a las “esferas” (burbujas, globos y espumas) que planteó Sloterdijk o la “atmósfera” que Coccia analizó en su La vie des plantes. De hecho, “la vida de las plantas es una cosmogonía en acto, la génesis constante de nuestro cosmos”. Es una específica, pero importante concepción sobre cómo podemos entender cada acción o individualidad en relación con lo común y con lo universal. En el caso de Souto, esta trata de indicarnos como se produce esa vida compartida bajo una misma atmósfera: un jardín o un paisaje. Un ecosistema de retorno. Puesto que es el agua, la luz o el aire, elementos que plantas y humanos necesitamos para vivir. La atmósfera envuelve la idea de atravesar los cuerpos y atravesar el mundo. Por eso, somos hijos de una misma vida: la naturaleza, la madre, la mujer. Así, la artista gallega escoge el cuerpo de la mujer, normalmente asociado al feminismo esencialista, para desdoblarlo en estratos de tierra, posos de atmósfera, huecos en que repoblar plantas, flores o árboles. Y, desde estos, ver el proceso de transición hacia una naturaleza común.

Johanna Caplliure


 21 de Julio al 7 de Octubre
MAG





viernes, 7 de julio de 2017

Runaway to destruction: Runway (AW17). Fiona Banner




Runaway to destruction: Runway (AW17)

Rotor blades in an industrial architecture, catwalk without models, words written on the surface of a plane parts.

A magnificent and apocalyptic mise en scène shows us the uncertainty of a new world. Fragments of a destroyed aircraft are a reminder of parts of the human body ruined by existence. Excerpts referring to messages of salvation, love, sex or just a letter are written on the surfaces of each plane and helicopter structure, which not only compose a memory but also a script for this theatre drama.

Celebrated for being one of the most interesting artists from the YBA and winner of the Turner Prize in 2012, Fionna Banner exhibits her latest works at De Pont Museum in Tilburg. Under the titled Runway (AW17), the English artist presents her most important exhibition in the Netherlands.

Out of control, desert or escape. All the directions of Runway (AW17) have the same exit: destruction. De Pont’s main gallery is occupied by industrial scenography. One long erected catwalk waits for impossible models or actors; the aircraft fragments can never be live subjects in this absurd drama. Possibly, it’s the runway for flight number AW17 or, perhaps the launch of this summer´s collection (Autumn – Winter 2017). The two meanings for runway: the catwalk and the aircraft runway, both have the controversial signification to take off or to land. To start or to end - we never know.

As principal characters of this drama, the propellers re-signify the potential of the actor. A static movement which cannot be deserted. One helix introduces us to a catastrophic world where several fragments of ailerons, others blades, horizontal stabilizers, wings pieces are part of this strange staging. A collection of objects, which are at the same time a theatre set.
 
Fascinated by the aircraft, Banner presents the beautiful and horrific nature of these war machines. Within this controversial relationship between the materials, she collects and shows parts of a Gazelle helicopter, the French Army’s Light Aviation, which were included in numerous conflicts around the world. On the other hand, the Jaguar drop tanks indicate that war is never-ending. Eventually, they are accompanied with graphite drawings concerning the holes or modified parts of the planes. The texts written on drone ailerons and wings evoke the problems between dialectics in language - between what we are saying or how are writing.

Finally, Runway (AW17) is complimented by previous works like Phantom (SS16) (2016), THE NAM Room (1997-2015), Breathing Bag (2015) and ISBN (2009-).

One advertisement is in the air, all the characters, actions, names and places are part of the imagination of the author.

Johanna Caplliure


 

*Text produced in the context of SEA Foundation Residency






jueves, 6 de julio de 2017

Vanessa Brazeau. Training solutions.



How do we think about the body? Is it possible for the body to think and be ready for  competition always and everywhere? 

Developing skills and strategies, muscles and thoughts, movements and responses the works by Vanessa Brazeau are articulated like an experience from the body in competition.


The adaptations of the body at events, at competitions, in life show us how the brain and mind are able to adjust to specific needs and possibilities. We know the inexorable relationship between body and mind, but also how it maintains the survival Cartesian’s notion about the boundaries of both. Then the development of the body and the mind with exercise in several contexts that the Canadian’s artist presents it breaks the separations of them.

"Thesis Body" (documentation for Ideogging)

For this reason, Vanessa Brazeau rethinks the role of competition and amplifies the notion in public space in order to question our vision about the consciousness of the world and the complexity of the relationship with physical and intellectual work. In fact, she tries to not only re-conceptualize the effect of sport on the body with invoked aesthetics, she also explores the possibilities to join together art practice and theory. Both opposing terms as well as sharing the universal experience of everyday challenges, you persevere to achieve something, to control or lose control of your body and mind and accept failure as training or developing yourself she produces new engagement with both a social body and a singular artistic praxis.
"The Solution Mat"

Humour is a main part of her works. With simple gestures focused on sports, physical training or competition she tries to get us to think about how they evoke an emotional relationship between routine experience in public space and the private practice of individuality.


She intends to perform the strategies of how we can fight with our physical and mental expectations. This struggle questions what a body is capable of. It signifies how the body is conformed through mental skills and how the mind is an organ of training in physical conditions.


In this case, Brazeau prepares some accessible and fun, maybe surrealist, events to explore with humour, different thoughts and performative practices.

"Thesis Body" (documentation for Ideogging)


*Text produced in the context of SEA Foundation Residency

sábado, 15 de abril de 2017

Distopia general



Distopia general

Basma Alsharif, Xavier Arenós, Tania Blanco, Regina de Miguel, Ignacio García Sánchez, Maha Maamoun, Amanda Moreno, Anna Moreno y Fernando Renes.

Un proyecto comisariado por Johanna Caplliure

Inauguración: 4 de abril 2017 a las 19h.
Las Atarazanas, Ayuntamiento de Valencia.
Plaza Juan Antonio Benlliure, s/n, 46011 Valencia

El relato histórico se rompe en una especie de visión distópica sobre la realidad que bien podría entenderse como mera crítica al contexto social y político actual o, también, como una ucrónica perversión de la narración. Entonces nos preguntamos qué será de nosotros en el futuro. ¿Qué sucedería si la ciencia ficción no estuviera tan lejana? Entre la derrota actual y la ilusión de un futuro histórico, una distopía general se alza como potencial creativo de un nuevo nosotros.

La intención de Distopía general es crear un relato ucrónico en el que la historia del pasado, el presente y la visión de un futuro distópico se unan en una serie de trabajos de reflexión sobre cómo se escribe la narración de los hechos y el poder de las gentes en la construcción de estos con una latente ilusión de transformación futura.

Los trabajos seleccionados para Distopía general insisten en acontecimientos de la historia reciente que han sido silenciados por los medios de comunicación, en ideas y discursos del pasado que fueron enterrados y sometidos al totalitarismo hegemónico o en la posibilidad de plantearse formas de vida en el futuro de la colectividad.


Del 4 de abril al 28 de mayo 2017.