lunes, 23 de junio de 2014

Documentos para la resistencia. Pedagogías postfeministas para la igualdad


DOCUMENTOS PARA LA RESISTENCIA.
PEDAGOGÍAS POSTFEMINISTAS PARA LA IGUALDAD
IV JORNADAS DE INVESTIGACIÓN DEL CDAVC

PRESENTACIÓN

Siguiendo con nuestro trabajo de análisis y divulgación del hecho artístico contemporáneo, el CDAVC organiza unas jornadas dedicadas a mostrar las vinculaciones entre los procesos culturales actuales con las teorías de género, y las prácticas de igualdad. En este contexto de relaciones, hace falta pensar que si el feminismo tuvo sus orígenes como práctica combativa y sus inclinaciones teóricas como crítica, en la actualidad podemos decir que tanto la práctica como la teoría se han puesto al servicio de documentar la historia. De esta manera, el documento, la escritura, la imagen, la acción artística, la obra de arte, la producción de discurso y de sentido de los nuevos imaginarios contrahegemónicos -sea feminista, gay y lésbico o racial, sea la propia vida de los sujetos subalternos o en disposición de desigualdad- se conforma como herramienta de construcción histórica, relato teórico de emancipación y obra de vida en combate.

Hoy día viviríamos un “passage” entre la teoría feminista y la teoría queer hacia la construcción de un archivo universal que recoja las prácticas múltiples de apoderamiento con la finalidad que prevalezca una memoria de las minorías legitimizada por las propias prácticas artísticas y las instituciones depositarias del poder/saber entre les cuales la Universitat sigue siendo el espacio de mayor libertad y emancipación para la búsqueda, la producción de conocimiento y de estrategias extrapolables a la construcción social extra-académica. Todo esto enfatizaría, en este nivel de avance de las prácticas igualitarias, un mostrar y provocar incidencias y repercusiones en las políticas culturales y en la concienciación social sobre la necesidad de mantener un continuo equilibrio sobre nuestras vidas. De aquí la importancia que el CDAVC estimule la igualdad en sus prácticas y la memoria de les aportaciones postfeministas, también al archivo y documentación del centro, en breve incorporado al catálogo bibliográfico general de la UV.

De esta manera, las jornadas de estudio traerán propuestas concretas para prácticas contestatarias que reflejen diferentes formas de actuación. Estudios vinculados a la historiografía de las artes visuales de las minorías desde el documento como estrategia de resistencia. La jornada ocupará cuatro sesiones en forma de conferencias donde el estudio, archivo y producción de los documentos serán la clave en el proceso de construcción de las nuevas pedagogías para la igualdad. Las conferencias mostrarán los trabajos de mujeres y hombres artistas, excluidos de las redes de distribución y construcción de conocimiento. La circulación de los trabajos de estos artistas en forma de documento se inscribiría en la propia práctica documentaria -testimonio del artista-, pero también como trabajo documental. Así las conferencias se asentarán en el análisis de cómo documentar la muerte bajo la enfermedad del SIDA, un acercamiento a la obra de Esther Ferrer, la autobiografía como exploración de las formas intimidad/colectividad, y el montaje/desmontaje deconstructivo de las teorías feministas aplicadas a la imagen cinematográfica. Las conferencias serán a cargo de cuatro especialistas vinculados con los estudios de género i las artes visuales.



PROGRAMA CIENTÍFICO
15.07.2014
SESIÓN DE LA MAÑANA

10.00h. APERTURA.
Román de la Calle. Presidente de la Real Academia de
Bellas Artes de San Carlos, Valencia.
Ricard Silvestre. Coordinador del Centre de
Documentación de Arte Valenciano Contemporéneo (CDAVC).
Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la
Universitat de València.

10.30h. LA AUTOBIOGRAFÍA COMO TRAVESTISMO.
Johanna Caplliure. Comisaria, Filosofa y Crítica de Arte.
Valencia.

12.00h. Pausa-café

12.30h. TECNOLOGÍAS DEL YO: IMAGEN, DOCUMENTO,
FANTASÍA.
Giulia Colaizzi. Catedrática de la UV en el Dpto. de Teoría
de los Lenguajes y Miembro del Instituto Universitario
de Estudios de la Mujer de la Universitat de València

SESIÓN DE LA TARDE

16:30h.  CON O SIN TI. VISIONES SOBRE LA MUERTE
José Luis Giner Borrull. Comisario y Crítico de Arte. Valencia

17.30h. Pausa

18.00h. ACCIÓN, (RE)ACCIÓN Y RESISTENCIA. ESTHER
FERRER DESDE UNA ÓPTICA FEMINISTA.
Carmen Muriana. Artista y Investigadora de la Faculdad de
Bellas Artes. Universidad Miguel Hernández, Altea-Alicante




domingo, 22 de junio de 2014

El afuera de la política



El afuera de la política
Johanna Caplliure


Hechuras de las que somos cómplices y partícipes, modos que nos dotan de anclajes e historia y política ¿para todos? Parece que poco o nada queda por decir y saber de las estructuras de gobierno cuando constantemente hablamos de democracia, de estado constituyente o de nación-estado, así como de sociedad civil. Y no obstante, los debates y opiniones sobre la inoperancia de ciertas instituciones se repiten bajo esa misma constancia, pero sin medir las formas en las que se dan dichas estructuras. No nos preguntamos por qué tienen esa forma o por qué se administran de esa manera o por qué actuamos de forma casi “innata” ante ellas. Y es entonces, pensando en Michel Foucault y sus investigaciones sobre la arqueología de las estructuras de poder, cuando me acerco a valorar los servicios públicos- por ejemplo- como una configuración más allá de las instituciones disciplinarias y no-disciplinarias, las leyes, las normas, los discursos y las tecnologías. Puesto que  “por todas partes hay marañas que es menester desmezclar”[1] y es en los servicios públicos donde encontraríamos una definición con la que analizar el “dispositivo” que el filósofo francés asienta en su pensamiento. De hecho, Gilles Deleuze que es capaz de poner de relieve los entramados filosóficos de Foucault me alienta, releyendo en ¿Qué es un dispositivo?, a tomar estas consideraciones al entender el dispositivo foucaultiano como un compuesto de líneas de fuerzas que en el caso de los servicios públicos se cruzarían entre lo económico, lo social, el cuidado, la educación, la cultura, la seguridad, los recursos, la movilidad, el hábitat y la convivencia, y, por supuesto, la comunicación. Por tanto, este dispositivo llamado aquí “servicios públicos” sería el conglomerado de líneas de fuerzas controladas, organizadas y gestionadas por la administración pública para todos.

Este dispositivo concreto, que imprime una serie de reglas, costumbres e instituciones, desde una instancia exterior y que se extiende en cuanto a su interiorización como creencias y valores en los individuos empapando lo más íntimo, perpetúa en el sujeto como forma de vida social mecanizada donde la política se impone y todo queda inmerso en sus juegos de poder. La manera en la que este dispositivo actúa en el interior de nuestras relaciones, en los mecanismos y en los juegos de poder, quizá sea la cuestión más importante que investigar. Así, si observamos en el lenguaje este constructo -entendido este, desde época clásica, como el primer dispositivo- alcanzamos a discernir cómo funcionan las relaciones de saber-poder. A saber: dictaminando instancias de conocimiento y poder en torno al orden del discurso.
De hecho, si nos introducimos en el mapa sonoro de Oswaldo Macía, Something Going on Above my Head, escuchamos como un concierto de pájaros construye un diálogo transfronterizo, puesto que rompe con las barreras geográficas de los cantos de las aves al traerlas en composición musical. Se muestra una nueva construcción jerárquica basada en la pieza orquestal y no en los orígenes expuesto por los estudios ornitológicos o los archivos naturalistas. El discurso estructural establecido es desplazado a otro terreno. Macía trae en el lenguaje de los pájaros, en el piar, en el graznido, cacareo, ulule, gorjeo, trino o arrullo, un dispositivo en el que cuestionar la relación poder-saber: explora conocimientos desplazados en los que por el cruce de cantos se pone en choque las instituciones tradicionales con las posibles formas de construcción de subjetividades. Los diálogos se amparan en la modulación de las aves que transforman las relaciones sociales entre el individuo y la colectividad.


Si el lenguaje es el primer dispositivo y en él podemos estudiar los engranajes del binomio saber-poder a merced de una subjetividad, también es el lenguaje el que en su hiancia nos descubre un afuera. El lenguaje de este afuera parece bañado por el teatro del absurdo: el dispositivo se presenta bajo formas desbaratadas en su mecanismo que pretenden interrumpir el flujo de las líneas de fuerzas constantes. Así podemos comprenderlo en el trabajo performativo y poético de Bartolomé Ferrando. Sus prácticas bordean el tiempo presente activando y actualizando el discurso. El verbo es aprisionado entre sus labios, eruptado en fonismos, susurrado en pensamiento, infundido en la materia y machacado entre los dientes. A la desesperación de la pérdida de la lógica se suma una aparente demencia o extrema patología ante lo coherente. La sin razón aflora como musitado dispositivo con el que contravenir la lógica de estado.




Sin embargo, no hay manera más combativa con la que hacer explotar la maquina de gobierno que mediante la máquina “profana”. La máquina-dios Moloch es amenazada por una serie de pequeñas máquinas que difieren de la consagración del dispositivo. Estas se aproximan al uso de todos a través de su forma de artilugio disparatado de fuerzas incontroladas. Las máquinas de Bimotor, el “contradispositivo” que anunciara Agamben, rompen la subjetivación volviendo al ser. Aquí no cabe la naturaleza rota de un ser-máquina, ya que las máquinas funcionan mediante un mecanismo, pero de movimientos inesperados que genera un extrañamiento en el espectador que participa en su activación. Las máquinas imposibles de Bimotor derivan de una aparente avería del turbo, el dispositivo parece estropeado y, sin embargo, es en su vida en la paráfrasis de la ilógica mecánica donde  estos artefactos de la paradoja habitan en constante batalla cortocircuitando los sacrificios a Moloch.

Todos estas prácticas traen a la luz el extrañamiento de la política. Las formas de hacer, las que nos hacen, también tienen su lugar en el afuera de la política, en lo político. Allí donde podemos hallar formas por nacer.







[1]  Deleuze, G. “¿Qué es un dispositivo?” en Michel Foucault, filósofo, AA.VV., Barcelona, Gedisa, 1999, p.157

Exposición Ver Visiones. Reinterpretando el presente
LaVAC
Comisarios: Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont
Centro del Carmen
Bartolomé Ferrando (Galería del Palau) / Bimotor (Galería Aural) / Oswaldo Maciá (Galería Espaivisor)
CIS: El funcionamiento de los servicios públicos



lunes, 21 de abril de 2014

La nuit du bal. Celebración del centenario de Marguerite Duras



La nuit du bal. Amanda Moreno
Comisaria: Johanna Caplliure
Institut Français de Valencia. 7 de mayo - 30 de mayo 2014



EXPOSICIÓN

MIÉRCOLES 07/05 A LAS 20 h. SALÓN ROUGE 

La nuit du bal. Amanda Moreno

Exposición de pinturas, dibujos, collages e instalaciones hasta el 30 de mayo. Inauguración con la presencia de la artista y de la comisaria Johanna Caplliure.

Como dramaturga, novelista y directora de cine, Marguerite Duras ha brindado grandes obras a la cultura francesa y a la cultura mundial. En este año del centenario de su nacimiento, para celebrar la vida, la creación y el legado que nos dejó, la artista Amanda Moreno ha querido recordarla a su manera a través de una exposición creada para el Institut Français de Valencia y titulada La nuit du bal. La exposición pretende recoger algunas nociones como la memoria y la pasión, el fracaso de la reconstrucción, la muerte y el olvido, el desgarramiento, los fantasmas del pasado, la insoportable densidad de la atmósfera y la música, todas ellas fundamentales en la construcción del universo durasiano. Concebida por la artista como una instalación de diferentes piezas independientes, La nuit du bal es una puesta en escena en la que los personajes de Duras se relacionan y bailan en la historia. El trabajo de Amanda Moreno conjuga diferentes técnicas con el fin de encontrar en ellas la mejor forma de construir su relato. Una exposición original que no hay que perderse. 





LOS MÍERCOLES DE CINE

MIÉRCOLES 07/05, 17 h y 19.30 h. AUDITORIO  

Hiroshima mi amor 

Película de Alain Resnais. Guión y diálogos de Marguerite Duras. Con Emmanuelle Riva,
Eiji Okada y Bernard Fresson.
1959. 92 min. VOSE.
En 1957, una joven actriz francesa se marcha a Japón, a Hiroshima, para rodar allí una película pacifista. Debe volver al día siguiente y en este interludio de 24 horas se enamora de un arquitecto japonés con quien tiene una aventura. Esta pasión le recuerda a otra pasada: la que mantuvo durante la Ocupación, en Nevers, con un soldado alemán que fue ejecutado ante sus ojos mientras ella estaba tendida en el suelo de la plaza pública. Es una obra mítica del cine francés que constituye el primer largometraje de Alain Resnais y el primer escenario de Marguerite Duras. Hiroshima mon amour enfrenta a la Historia con la historia (la intriga amorosa). La película pone en escena numerosos hechos históricos como la Ocupación alemana en Francia y la bomba nuclear de Hiroshima y trata con gran sutileza tanto la memoria colectiva como la individual. Alain Resnais, fallecido este año, y Marguerite Duras, a través de una narración desglosada y una temporalidad diseminada consiguen expresar con palabras lo indecible. Es para rendirles homenaje por lo que os proponemos volver a ver esta obra maestra del séptimo arte. 




CAFÉ LITERARIO
JUEVES 08/05, 19.30 h. AUDITORIO

Marguerite Duras tendría cien años

Tertulia literaria animada por Bouziane Khodja. Con Amanda Moreno y Johanna Caplliure. 


Marguerite Duras se dio a conocer en 1950 con el libro Un dique contra el Pacífico y está sin ninguna duda entre los autores más importantes del siglo xx. Con un estilo muy particular, que desestructura las frases, los personajes, el tiempo y la acción, y que otorga siempre un lugar central a los sentidos y a la sensualidad, debe su éxito a la diversidad y a la modernidad de su obra. Duras nació a comienzos de un siglo que transformó profundamente a Europa, en un barrio de Saigón (Indochina francesa). Supo siempre encontrar su lugar en los acontecimientos históricos y dar a conocer su talento más allá de las fronteras francesas. Conserva un recuerdo profundo de su infancia en Indochina que marca de forma duradera su producción literaria: Un dique contra el pacífico, El amante y El amante de la China del Norte, todos se desarrollan en Extremo Oriente. También encontramos en sus novelas la influencia de París (El Square: días eternos en las ramas) y de España (Las diez y media de una noche de verano). En este centenario del nacimiento de la autora, el café literario será la ocasión para volver a disfrutar esta obra prolífica. 

 



jueves, 10 de abril de 2014

Del Salon a los squats posmodernos. Un paseo por la crítica de arte.






Conferencia: Del Salon a los squats posmodernos. Un paseo por la crítica de arte.
A cargo de Johanna Caplliure
7 de abril 2014. Instituto Montserrat Roig de Elche (Alicante)
Organizado por MUSTANG y Explicarte.
Una iniciativa inmersa en el programa Mag Satélite.


Una nueva edición de “MAG Satélite” (2014), experiencia didáctica, con el principal objetivo de acercar el arte a los alumnos de bachillerato de una forma desenfadada. Y todo ello a través de los propios artistas, críticos y agentes profesionales del arte.




 

martes, 25 de marzo de 2014

Componer en el tiempo. Jornada de reflexiones sobre la práctica artística feminista.



COMPONER EN EL TIEMPO
Proyecto comisariado por Johanna Caplliure para Mustang Art Gallery.
14 de marzo de 2014 al 28 de abril de 2014. Elche (Alicante)
Dentro del Festival Miradas de Mujeres.


 JORNADA DE REFLEXIÓN SOBRE LA PRÁCTICA ARTÍSTICA FEMINISTA
 24 de marzo 2014. Elche (Alicante)

          Conferencia: Esther Ferrer. La (re)acción como leitmotiv. 
          A cargo de Carmen Muriana
 

A lo largo de la conferencia, Carmen Muriana expondrá las principales vías de actuación desarrolladas por la artista española Esther Ferrer: la artístico-pedagógica, la feminista-activista y la periodística y su confluencia en la actuación artística. Es decir, cómo los intereses e inquietudes personales de la artista de acción se destiñen, a modo de reflejo auto-biográfico, en su modo de trabajar y en su abundante obra. Esther Ferrer se ha asentado como el paradigma en las paradojas de los discursos y estudios de género en el Estado Español lo que la convierte en una figura indispensable para reflexionar sobre la cuestiones relativas a la acción política, a la actividad artística, a la protesta en primera persona y a las polémicas subyacentes en el contexto “arte” y mujer.
 


               Mesa redonda:  Danzar la historia. Cuerpos que hacen historia e historia de los cuerpos.
               A cargo de Johanna Caplliure y Hélène Crécent.

Componer en el tiempo tiene como uno de sus puntos de arranque el homenaje a artistas mujeres cuya práctica artística ha sido oscurecida a lo largo de la historia. Como podremos vivir en la exposición, el homenaje se convertirá en una celebración coreográfica a través de la obra de Hélène Crécent haciendo de este algo vivo, festivo y lúdico. En esta conversación entre la comisaria y la artista se pretende poner de manifiesto muchas de las claves sujetas a la exposición como a la práctica feminista en el arte y que se vislumbran en las piezas expuestas.
  



        

lunes, 17 de marzo de 2014

La vie est faite de morceaux qui ne se joignent pas.


Foto: J. Buch


COMPONER EN EL TIEMPO. HÉLÈNE CRÉCENT
Proyecto comisariado por Johanna Caplliure para Mustang Art Gallery.
14 de marzo de 2014 al 28 de abril de 2014. Elche (Alicante)
Dentro del Festival Miradas de Mujeres.






La vie est faite de morceaux qui ne se joignent pas.
Por Johanna Caplliure

En los bordes de la platea han quedado arroyados los pedazos de historia. Heredados de un continuo pasar de siglos, estos fragmentos de estribillos, voces, poses parecen retorcerse por saltar al escenario. Y de hecho, es en un arrebato espasmódico en el que se lanzan a escena. Los fragmentos de historias se conducen en una narración entre el espacio del cuerpo y el tiempo celebratorio.

Componer en el tiempo es un ejercicio de toma de escena en el que el cuerpo se ha convertido en el propio escenario de la acción vital, histórica y performativa. Así el cuerpo se viste con las multiplicidad de las historias. Puesto que, como declaraba Hélène Cixous, “una mujer también es otra mujer. Una mujer es más de una mujer y también un poco tío”. ”Una mujer es un conjunto de mujeres”. Pero además, esa mujer es la transformación hacia un nuevo sujeto nómada que transita por los bordes de las formas corpóreas retorciendo su fisicidad en un devenir-máquina, devenir-animal, devenir-mujer. Entonces el cuerpo que sale de entre las bambalinas se expone como un animal misterioso, la ginoide de PVC o los cuerpos contadores de historias. Y es que el cuerpo se inscribe en la historia, pero además el cuerpo narra la historia: Nous portons l'histoire de nos corps (“Llevamos la historia de nuestros cuerpos”) -reza una de las esculturas de la serie Corps Multiples (Cuerpos Múltiples) de Hélène Crécent. Empero, este cuerpo - como la historia - es fragmentario. De este modo, el cuerpo que muestra Crécent no es un cuerpo hecho pedazos, sino hecho-de-pedazos.
Sus piezas son deconstrucciones corporales. Los personajes se conforman a partir de fragmentos: un tacón, un seno, unas nalgas, un cuchillo, brazos o cabellos. Fragmentos que se unen por un instante para crear un ser que ya está mutando en otro. Esa paradoja se identifica bien con el estribillo de la canción Modern Style de Jean Bart y que un día Crécent - reflexionando sobre su trabajo y sobre la vida- me confeso en su taller: La vie est faite de morceaux qui ne se joignent pas (“La vida está hecha de pedazos que no se unen”).

Así, el cuerpo en el escenario toma la fuerza de un ballet de muñecas que se desplazan en un tiempo concreto en el que se vindica la visibilidad de las mujeres en una época en la que todavía permanecen en la platea esperando aplaudir el inexpugnable relato impuesto. No obstante, la tarea de las mujeres artistas durante todo el s. XX ha tenido como preocupación el tomar las tablas del escenario. Y es el tiempo celebratorio del homenaje en el que mediante la investigación, la construcción del archivo y la exposición de documentos, trocitos de historia, se puede componer un nuevo tiempo.
De esta manera, lo que se advirtió con los trabajos de las feministas de los años 70 y 80, como nos diría Hanna Arendt sobre la pérdida de la tradición, es que “no había una memoria para heredar o cuestionar, para reflexionar sobre ella y recordar”.[1] Por lo tanto, había que crear esta memoria, este legado para el futuro – no solo un futuro en femenino o feminista, sino un futuro humano más complejo. Pero también, más rico y mundializador. Y esa memoria es la que se da en nuestros cuerpos y en el homenaje a las mujeres artistas. Un homenaje que se funda como una tradición que había estado hasta ese momento oculta. Es una celebración por la diferencia y, también, es un constructo para un futuro mestizo.

Entonces la coreografía de los cuerpos danzantes de Crécent se sitúa en la tradición feminista y del cuestionamiento identitario donde los Corps Multiples nos presentan un imaginario mitológico de cuerpos hechos-de-pedazos, la serie Corps Glorieux homenajes a artistas mujeres (Nan Goldin, Frida Kahlo, Hannah Hoch, Carmen Calvo, Alöyse Corbaz, Laurie Anderson, Mona Hatoum, Shirin Neshat,… -por citar algunas de las esculturas que homenajean a estas artistas), los Corps Hybrides aproximándose a lo maquinal o los Corps Vyniliques que se exponen a romper todo telón,  a volar hacia la libertad. 



Exposición Componer en el tiempo. Hélène Crécent
Comisariada por Johanna Caplliure
Fechas: 14 de marzo 2014- 28 de abril 2014

Actividades del proyecto:

Conferencia: Esther Ferrer. La (re)acción como leitmotiv.
A cargo de Carmen Muriana

Mesa redonda:  Danzar la historia. Cuerpos que hacen historia e historia de los cuerpos.
A cargo de Johanna Caplliure y Hélène Crécent
Fechas: 24 de marzo 2014

 
Foto: J. Buch





Catálogo de Miradas de Mujeres (p.178).



[1] Arendt, H., Entre el pasado y el futuro. Ocho ejercicios sobre la reflexión política, Barcelona, Península, 1996, p.12.

lunes, 24 de febrero de 2014

CONFIDENCIAL. DESTRUIR ANTES QUE LEER.



CONFIDENCIAL. DESTRUIR ANTES QUE LEER.
Volver a leer la actualidad a través de Unexpected documents in a waiting room de Tania Blanco.
Por Johanna Caplliure.

Asistimos al más espectacular de los momentos de la historia sin sorprendernos en absoluto. Vivimos en un permanente estado de engaño, en una suerte de “estado de mentira”.  Y ni siquiera nos preguntamos qué ha sucedido para que hayamos perdido todo ápice de escepticismo. ¿Cómo es posible que haya desaparecido la duda ontológica que dirimió Descartes en el s.XVII a través de su consabido cogito ergo sum o “dudo, luego existo”?¿Cómo hemos prescindido de las sospechas de Marx, Freud y Nietzsche sobre cómo vivimos una gran mentira, un mundo de ocultación y un sinfín de flagrantes estafas? Y sin embargo, lo más extraño de esta época consiste en que somos conscientes que vivimos la “falsa verdad”. Un embuste que se nos ha hecho pasar por verdadero durante tanto tiempo que ahora ya no podemos dudar que sea verdad. Y esto mismo es lo que ha acaecido en los medios de comunicación.

En la cultura mediática, ya no podemos reducirla a la denominación de “sociedad de la información”, todo deviene información, el gran poder es la misma información, todos somos información. A saber: la información se entendería[1]  como medio para un fin adocenado de manipulación y envenenamiento del juicio crítico en el que tristemente se ha perdido el mayor de los derechos de la ciudadanía: la libertad de expresión y el conocimiento.
A la “falsa verdad”, que se conduce – incluso- en cada movimiento y presión por nuestras arterias de la misma manera que en las redes sociales, institucionales y mediáticas, se sumaría la dictadura del consenso sobre la apariencia. La articulación de esta es la siguiente: hay que crear un “producto” (un bien no material llamado información) coherente, sin fracturas y que aparente una solidez inamovible: “que parezca una verdad, aun si no lo es”.
Así, el cuarto poder, hoy el “gran poder”, hacía su entrada “espectacularizada” en aquel maravilloso fake radiofónico de finales de los años 30 en el que Orson Welles hacía creer a la población estadounidense de New Jersey que estaba siendo invadida por un enemigo extraterrestre. Mediante este relato radiofónico, la interpretación de The War of the Worlds de H.G.Wells, se nos concedía la idea principal de la construcción informacional de los medios: un joven Orson Welles en el papel de un científico, un mediador que realmente es un actor, un director de cine, un guionista; es decir, un creador de fantasías, de mentiras que nos incita a creerle. 
Sin embargo, los medios han avanzado de tal manera que han transformado la sociedad en propio medio para el poder bajo la idea de información. Mentiras de Estado o el Estado de engaño. Entonces, cuando la mentira cubre un espectro mayor que el del teatro radiofónico y se convierte en la ideología de la población vinculada ciegamente a las clases dominantes, el temor es mayor. Y cuando esta mentira se emplaza en el centro de la información es imposible que no nos echemos a temblar. Si el gran poder para la población ha sido la libertad de expresión y de información, con el golpe de la mentira los medios de comunicación se han cubierto ellos mismos del mayor enemigo: la censura. “La prensa misma es la censura” decía G.K. Chesterton en 1917, pero lo que no sabía era que la discreta maniobra de la censura se nos ofrece hoy en desinformación y ocultamiento del mundo como rezan las investigaciones de Pascual Serrano o Ignacio Ramonet en nuestro país. Y que derivan, en palabras de Scott Lash, en una “sociedad desinformada de la información”. Entonces, solo nos queda esperar lo inesperado.


En una sala de espera el paso del tiempo se disipa de la misma manera que la figura del lector de diarios cuando no se encuentra entre las páginas, porque lo que lee no representa ni sus intereses ni la verdad que ha quedado desplazada por el desborde de la hiperrealidad en la “falsa verdad”. Sin embargo, en Unexpected documents in a waiting room, la sala de espera que ha creado Tania Blanco, el lector comparece como tal. Allí encuentra una serie de publicaciones habituales: periódicos, revistas de moda y belleza, prensa deportiva e incluso publicidad comercial y anuncios, pero con mensajes “inesperados” donde lo que parece no es. O más bien, lo que aparece es lo que debería ser normalmente. Los caracteres negros que se imprimen sobre el papel y pintan la “falsa verdad” en estos documentos son “verdades ficticias”. La tinta transformada en la delicada, perfecta y “maliciosa” tipografía e imagen pintada de Tania Blanco trae al lector la verdad en un espacio de imposibilidad. Puesto que la información de medios alternativos, prensa crítica, periodismo reflexivo nunca es encontrada en los medios oficiales. La astucia en los mensajes pintados sobre cerámica no duda en despertar al lector[2] de su ingenuidad, “estupidización” -mascullaría Lash-, ceguera o acobardamiento/acomodamiento en la lectura del diario. De una lectura confidencial que sería antes destruida que leída.




La línea sobre el papel de cerámica, la tinta que hiere el blanco diario con la cruda realidad. Así, Tania Blanco nos imprime la sospecha en cada uno de esos documentos. Cuestionamos la realidad o mentira de lo que nos cuenta. Dudamos de “la otra verdad” y al mismo tiempo nos impulsa a reflexionar y sospechar sobre la verdad que conocemos y a la que damos pábulo como nos ha presentado la reiterada “falsa verdad”. La sospecha se convierte en la fuerza centrípeta que mueve toda su obra haciendo tambalear los pilares en los que descansan nuestras creencias y verdades. La obra de Tania Blanco, como producto cultural representacional, quiebra su acontecer informacional y se pausa en la reflexión en un contexto en el que tanto la crítica como el cuestionamiento se han desmedrado por un paradigma mediático de flujos lubricados en lo hiperreal


Los documentos de Blanco no son una charada que se tenga que descifrar. Su mensaje se entiende conspicuamente aun pareciendo una ficción, ya que “es imposible que esto sea real”-nos decimos ante ello, que esta noticia la publique El País, The New York Times (“The New York Lies”), The Times o Daily News, Cosmopolitan u ¡Hola! con titulares como “Terrorismo financiero y crisis”, “Votes lo que votes, ya está todo decidido”, “Democracy Hypocrisy”, “Terrorismo de Estado”, “El deterioro imparable de la familia real”, o un especial “Biopolítica” en el National Geographic, y, además, sin deseo de enloquecer a la población como con la invasión extraterrestre de Wells. Aunque su mensaje nos hace temblar. A los lectores astutos y tenaces que son capaces de ir más allá de las palabras pintadas de Tania Blanco, observad con detenimiento el mensaje que incuba la sospecha. Abandonad la forma del ojo inerme y dotadlo de una mirada incisiva y crítica. Porque hoy la espera se convierte en la esperanza de lo inesperado.  




[1] La sociedad mediática se explicaría bajo una perspectiva instrumentalista de la información impulsada en deriva de “tecnología” de saber/poder foucaultiana y que finalmente ha sido traspuesta en la mediatheory, a través de la “biopolítica de los medios” y que yo me atrevería a denominar medialife. Puesto que la información se concentra como poder de la vida en todas sus parcelas, vivimos dentro de la información o como declaraba Jean Baudrillard con sus teorías sobre la hiperrealidad: “vivimos el acontecimiento no en tiempo real, sino en tamaño natural”. Demasiado real para poder ser reflexionado y asido por la representación.
[2] Siguiendo la tradición benjamineana pensamos en un lector productor, aunque sin deshacernos del autor.